Comencem malament, però. Davant la pregunta
què es el teatre?, la resposta inicial del llibre és: “una forma de
comunicación artística que se ha dado a lo largo de los tiempos hasta nuestros
días, entre unos emisores (creadores del hecho escénico) y unos receptores
(público)” (19). Una definició excessivament teòrica,
encorsetada que, de fet, podria aplicar-se, també, a d’altres camps com la
ràdio o la televisió en els quals també trobem un emissor i un receptor. Amb la
voluntat de concretar una mica més, l’autor afegeix: “que se realiza por
medio de unos códigos establecidos por la tradición del propio arte teatral” (19) No ho arregla massa: està definint una paraula utilitzant la
pròpia paraula a definir: el teatre utilitza uns codis teatrals, però quins
són? Si ja no entenem teatre, com podem entendre quins són aquests codis
teatrals? Potser l’error està en plantejar la qüestió sobre què és el teatre.
Però bé, seguim.
Sartre: “Ya que la creación no puede
realizarse sin la lectura (el teatro sin la representación), ya que el artista
debe confiar al otro el cuidado de terminar lo comenzado […] toda obra
literaria es un llamamiento. Escribir (interpretar) es pedir al lector
(espectador) que haga pasar a la existencia objetiva el descubrimiento que yo
he intentado por medio del lenguaje.” (23-24) És la
idea que una creació literària, teatral, artística… està morta sense el
receptor que és qui s’encarrega d’otorgar-li vida. Una vida que pot ser
diferent per cadascú.
Peter Brooks: “apenas se necesita el teatro
y apenas se confía en sus laborantes. Por lo tanto, no cabe suponer que el
público se agrupará devoto y atentamente. A nosotros nos toca captar su
atención y ganar su fe.” (24) Davant d’espectacles de
masses, de saturacions mediàtiques i visuals, el teatre ha de ser capaç
d’atreure el públic, ja sigui perquè aporta un tret diferent, major qualitat,
immediatesa, vivesa, singularitat…
Ara sí, una millor definició de teatre: “seres
humanos, hablando a otros seres humanos de los problemas de los seres humanos.” (24)
“Con el teatro rompemos el espacio, el
tiempo y la función de los objetos: convertimos los pocos metros cuadrados de
un escenario en la ciudad de Verona, y el instante real en que vivimos lo trasladamos
al siglo XVII, o al futuro.” (27)
“El escenario es un laboratorio humano en
el que se dan las condiciones ideales para observar el fenómeno de la
existencia en toda su complejidad.” (28) Exacte: tots
aquells que rebutgen el teatre complex, d’emocions contraposades, de dubtes i
recels, estan ignorant la realitat humana.
“El contenido y el lenguaje de una obra
teatral expresan una visión del mundo.” (30) I per
això mateix, afirma Alonso de Santos, hem de prendre una posició en el moment
d’afrontar un text, hem de tenir clar quin món volem mostrar, quina perspectiva
volem aplicar-li. És a dir, cap a on volem dirigir l’atenció dels espectadors;
quina parcel·la de realitat és la que els volem mostrar.
“Un espectador busca desde los primeros
momentos de una obra teatral descubrir el planteamiento de la misma: ¿de qué se
trata?, ¿de dónde vienen los personajes?” (50) és la
feina del director decidir quan vol donar aquesta informació. Sí que resulta
interessant marcar unes pautes, mostrar certes convencions que ajudin als
espectadors a endinsar-se dins l’obra, però no cal donar-ho tot mastegat ja
d’entrada.
“Cuando el final es verosímil, creíble, y
artísticamente creativo, el público se siente satisfecho. Si está de acuerdo
con su ideología, le gustará aún más y dirá que es como la vida misma.” (53) Tots tenim una necessitat de final, de trancament. Desenganyats
com n’estem d’una vida que no té una conclusió, sinó que simplement s’acaba,
busquem en el teatre aquesta finalització lògica, plausible, però que no sempre
és necessària i, per tant, no s’hauria de forçar.
Interessant, dues tendències que trenquen el
teatre clàssic: el minimalisme i l’antiestructura. Manipulació de l’espai, del
temps, de l’ordre de les accions, de les expectatives del públic.
William Layton: “el teatro es la síntesis
de la verdad, esencia de la realidad. En dos horas de una buena obra de teatro
habrá más crisis y conflictos que en la mayoría de las vidas de todos
nosotros.” (66)
Strindberg: “En nuestros tiempos nuevos, lo
más interesante es el desarrollo psicológico. Nuestras almas, curiosas de
saber, no se contentan con ver suceder algo ante sus ojos, sino que quieren
enterarse también de los motivos.” (72) Per això convé
que l’obra mostri molt més d’allò que es diu, que els silencis parlin, que les
pauses signifiquin.
“La vida es tediosa como una vieja historia
vuelta a contar, dijo Shakespeare, y contra ese tedio las gentes de teatro
intentamos crear nuevas intrigas, o viejas intrigas contadas de una forma
nueva.” (92) Perquè, efectivament, cada nova obra
sembla aportar quelcom, una relectura, una novetat, el que sigui, però quelcom
que cal ser mostrat damunt d’un escenari. En el cas de les bones obres, clar.
Alfred Jarry amb el seu Ubú Rei (ressenyada aquí) ens mostra “la risa grotesca, los héroes
ridículos, y la burla irónica de una vida asentada sobre falsos valores y
principios.” (124) L’antiheroi, el dèspota,
l’hipòcrita, el fals: el reflex de la nostra societat.
Els personatges del teatre de l’absurd: “un
personaje de la incomunicación, al borde del no-ser y de la más absoluta
soledad.” (125-126)
Patrice Pavis: “la puesta en escena es
siempre una puesta de imágenes.” (158) unes imatges
insinuades pel text i que s’han de reproduir damunt l’escenari o bé ajudar a
generar-les en els espectadors a través d’altres estrategies, ja siguin
lingüístiques, sonores…
“El actor debe ser capaz de utilizarse a sí
mismo en su totalidad como instrumento creativo, y uno de los elementos
esenciales de esa expresión es su propio cuerpo.”
(302) El director hauria de saber tocar aquest instrument, extreure’n les notes
desitjades.
“Las palabras son semillas encapsuladas que
han de crecer y llenar el espacio cuando son interpretadas en escena.” (307) Una definició massa ensucrada, però certa.
La veritat damunt l’escenari: “la
coherencia de las acciones que realizamos nos conduce a la verdad escénica.” (341)
“Dirigir es decidir y ser coherente,
estimular, sostener, y ayudar a los actores encontrando su forma expresiva
apropiada.” (384)
“Es adecuado saber mucho de la obra llegar con muchas ideas a los ensayos,
pero hay que tener en cuenta que vamos a trabajar con seres humanos, no con
autómatas, personas que van a aportar a los personajes un físico, un
temperamento, su propia vida y su propia creatividad.”
(390) Així, a Tu i Jo, el personatge de la DONA va anar variant a mesura que
l’actor analitzava d’aprop a la seva àvia i anava incorporant gestos i paraules
d’ella.
“En los ensayos de mesa el director explica
el análisis que ha realizado de la obra (división en partes, resumen de cada
escena, conflictos principales, antecedentes, relaciones entre los personajes)
[…], de forma progresiva, de lo general a lo concreto y específico.” (393)
Passos damunt l’escenari:
a) decidir l’escenari i intentar fer-lo quan més aviat millor per permetre
als actors de familiaritzar-s’hi.
b) buscar allò extern, “tipologias, signos, comportamientos, las
relaciones entre los personajes, movimientos escénicos, etc.” (397)
c) afegir la música i el so, el vestuari i la il·luminació.
I el producte ja està acabat. L’obra ja pot
ser estrenada. No comenten que ara ve el més difícil: trobar teatres on
representar-la.
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José Luis Alonso de Santos, Manual de teoría y práctica teatral (Castalia)
començat_ 18/02/12 / acabat_ 18/02/12
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José Luis Alonso de Santos, Manual de teoría y práctica teatral (Castalia)
començat_ 18/02/12 / acabat_ 18/02/12
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